News

At BLM School, learning is understood not as a destination, but as a shared journey of becoming. The question that guides this journey is simple yet profound: who are we becoming together? Education here is not framed as a race to be won, a competition to survive, or a hierarchy to climb. Instead, it is a collective process—one that values curiosity, protects dignity, and recognizes growth as deeply human. In this learning environment, children are not pushed to outperform one another. They are invited to explore, to ask questions, and to engage with the world at their own pace. Curiosity is treated as something to be safeguarded, not disciplined away. When children feel safe to wonder, they learn not only facts and skills, but also how to think, feel, and relate to others. Children grow best when they are supported and guided with care. At BLM School, making mistakes is not a failure; it is a necessary part of learning. The freedom to try, to stumble, and to try again allows children to build confidence without fear. Guidance replaces pressure, and encouragement takes precedence over comparison. In such an atmosphere, learning becomes an experience rooted in trust. A child is not a result, not a score, and not a label. Each child is a whole human being—complex, curious, and constantly evolving. Education, therefore, cannot be reduced to numbers or rankings. It must honor the individuality of each learner while nurturing their sense of belonging within a community. Education is life itself. It shapes how we see the world, how we listen to others, and how we learn to care. Beyond measurable achievement, true education nurtures humanity. At BLM School, learning is not only about becoming capable—it is about becoming compassionate, thoughtful, and fully human.

Affandi painted as if no one were watching. His canvases pulse with urgency—paint squeezed straight from the tube, lines formed by instinct rather than calculation, gestures that feel closer to breath than to brushstroke. At first encounter, his work can appear unruly, even chaotic. Forms dissolve, colors collide, and perspective refuses to behave. Yet to stop at that first impression is to miss the essence of Affandi’s practice. His freedom was never careless. It was deliberate, ethical, and deeply human. Affandi’s approach rejected academic restraint, but not responsibility. He did not paint to shock, nor to decorate. He painted to tell the truth as he felt it—raw, direct, alive. This honesty is what gives his work its power. The seeming disorder on the surface conceals an inner direction, one shaped by empathy, observation, and lived experience. His subjects—ordinary people, laborers, mothers, animals, landscapes—are not reduced to aesthetic objects. They remain dignified, vulnerable, and present. To stay with an Affandi painting is to begin understanding its guidance. The lines lead the eye not through strict composition, but through emotion. The colors do not obey harmony in a conventional sense; they obey feeling. What looks unrestrained is in fact carefully listened to. Affandi allowed the painting to emerge from an encounter between the self and the world, rather than forcing it into predetermined rules. In this sense, his freedom was not the absence of structure, but the presence of attention. There is an important distinction here: freedom without ethics is merely noise. Unchecked expression can become hollow spectacle, empty provocation. Affandi understood this instinctively. His work is grounded in care—care for his subjects, for the realities they inhabit, and for the act of painting itself. Even at its most intense, his expression never abandons respect. The soul of the work remains intact because it is anchored in responsibility. This is why Affandi’s art continues to resonate in conversations about progress, creativity, and humanity. In an age that often equates freedom with limitlessness, his practice offers a quieter, wiser lesson. True progress does not mean discarding all boundaries; it means choosing which ones matter. It means allowing intuition to lead, but values to guide. Affandi shows us that freedom gains meaning only when it is held with care. When expression is guided by empathy and ethics, it does more than break rules—it builds connection. And in that connection, art retains its soul. That is how progress, in art and beyond, remains deeply human.

Creating safe spaces for children is not merely a programmatic goal—it is a moral commitment. In Sibolga and Central Tapanuli, this commitment takes shape through collaboration, patience, and the belief that every child deserves to feel seen, safe, and supported. Together with Save the Children, these efforts remind us that healing often begins not with grand interventions, but with something far simpler: presence. Children living in vulnerable contexts frequently carry invisible burdens. Economic hardship, social instability, displacement, or exposure to violence can leave deep emotional marks, even when they are not immediately visible. For many of them, daily life offers little room to process fear, confusion, or loss. In such circumstances, a “safe space” becomes more than a physical location—it becomes a sanctuary where children are allowed to be children again. In Sibolga and Central Tapanuli, safe spaces are designed intentionally to answer this need. They are environments where children can play freely, express their emotions without judgment, and rebuild a sense of normalcy. Within these spaces, laughter is not trivial; it is therapeutic. Play is not a distraction; it is a language children use to make sense of their world. Simply having trusted adults who listen, sit beside them, and show up consistently can be a powerful first step toward recovery. Save the Children has long emphasized that child protection is most effective when it centers the child’s emotional and psychological well-being, not only their physical safety. Through this partnership, the focus extends beyond emergency response toward long-term resilience. Activities in these safe spaces—ranging from creative play and storytelling to group discussions and psychosocial support—are designed to help children name their feelings, regain confidence, and slowly rebuild trust in others. What makes these spaces truly meaningful is the collective effort behind them. Community members, facilitators, volunteers, and organizations work hand in hand to ensure that children are not treated as passive recipients of aid, but as individuals with voices, agency, and dignity. This approach sends a clear message: you matter, your feelings matter, and you are not alone. Presence, in this context, is an act of care. It means showing up day after day, even when progress feels slow. It means listening to stories that are difficult to hear and holding space for emotions that cannot be rushed. Healing is rarely linear, especially for children who have experienced distress. Some days are filled with joy and openness; others are quiet, guarded, or withdrawn. Safe spaces allow room for all of it, without pressure or expectation. In many ways, these initiatives also strengthen the broader community. When children feel safer and more supported, families and caregivers are empowered as well. Awareness grows around child rights, mental health, and the importance of nurturing environments. Over time, safe spaces can influence how communities respond to vulnerability, shifting from silence or stigma toward empathy and shared responsibility. Creating safe spaces for children in Sibolga and Central Tapanuli is a reminder that meaningful change does not always come from sweeping gestures. Sometimes, it begins with sitting on the floor, sharing a game, or offering a quiet moment of attention. It begins with choosing to be present. Together with Save the Children, the ongoing work continues to affirm a simple but profound truth: every child deserves a place where they feel protected, valued, and free to begin again. In those shared moments of safety and care, healing takes root—and hope quietly grows. Images source: @savechildren_id

Daniel Ginting berbagi dua dekade perjalanan mengoleksi dan memahami karya seni lukis Indonesia Jakarta, 30 Oktober 2025 – Advokat senior Daniel Ginting, meluncurkan buku seni rupa berjudul ‘Rimpang Rasa’, sebuah catatan perjalanan pribadi bersama sang istri, Quoriena Ginting, dalam mengenal, mengoleksi, merawat, dan terlebih lagi mempelajari seni lukis Indonesia. Diproduksi terbatas hanya 500 eksemplar, buku setebal 350 halaman yang dicetak indah ini menampilkan 140 karya lukis dari koleksi pribadi mereka yang dikumpulkan selama lebih dari 20 tahun. “Buku ini bukan sekadar daftar koleksi. Ini adalah perjalanan memahami filosofi dan nilai di balik setiap karya seni lukis Indonesia, bagaimana keindahan dan makna saling bertaut dalam sebuah lukisan,” ujar Daniel dalam peluncuran bukunya di Soehanna Hall, Jakarta, sore tadi. Peluncuran buku ini juga menghadirkan Rizki A. Zaelani, kurator seni rupa yang mengusulkan judul ‘Rimpang Rasa’ dan mendampingi proses penyusunan buku. Rizki menggambarkan buku ini sebagai sebuah ‘eksperimen tanpa preseden’ yakni upaya seorang kolektor menjelaskan sendiri hubungannya dengan seni dari sudut pandang pribadi. Makna di Balik ‘Rimpang Rasa’ Judul ‘Rimpang Rasa’ menjadi kunci memahami narasi di dalam buku. ‘Rimpang’ melambangkan batang tanaman yang menjalar dan terus tumbuh, sementara ‘Rasa’ mewakili intuisi, kepekaan, dan koneksi batin terhadap karya seni. Seperti batang yang bertumbuh, perjalanan ini merekam bagaimana perasaan dan pengalaman menjadi dasar setiap pilihan karya yang dipelihara. Seni sebagai Proses Belajar Bagi Daniel, mengoleksi seni bukan hanya tentang investasi, melainkan sebuah proses pembelajaran tanpa akhir. “Seorang kolektor senior pernah berkata kepada saya, lebih baik memiliki satu karya masterpiece daripada sepuluh lukisan biasa dari pelukis yang sama. Prinsip itu menjadi pegangan saya hingga kini,” ujarnya. Perjalanan bersama Quoriena Kecintaan Daniel terhadap seni sejalan dengan istrinya Quoriena, yang turut menelusuri perjalanan ini sejak awal. Keduanya memulai dari koleksi furnitur klasik, porselen Tiongkok, perunggu, dan wastra Nusantara sebelum akhirnya jatuh hati pada lukisan. Mereka berbagi peran, Quoriena mengikuti rasa dan keindahan visual, sementara Daniel menelusuri sejarah dan konteks karya. Salah satu kisah paling berkesan adalah perjuangan mereka membawa pulang lukisan lima penari karya maestro Nyoman Gunarsa dari Bali. Lukisan besar berwarna hijau lembut itu kini menjadi pusat ruang keluarga mereka, menghadirkan ketenangan, harmoni, dan cerita yang terus hidup di antara para tamu yang datang berkunjung. Karya Seni Menyapa Publik Rasa ingin tahu publik terhadap koleksi lukisan Daniel Ginting dapat dipenuhi dengan mengunjungi pameran Rimpang Rasa yang berlangsung hingga Sabtu, 1 November 2025, di tempat yang sama. Pameran ini mengajak pengunjung menikmati sekaligus memahami gagasan yang dibangun Daniel selama dua dekade perjalanannya sebagai kolektor seni lukis. Setiap karya dipilih karena memiliki energi dan makna yang merepresentasikan kekayaan ekspresi seni lukis Indonesia. Karya-karya yang ditampilkan disusun berdasarkan tema-tema yang juga diangkat dalam buku Rimpang Rasa, menghadirkan dialog antara pengalaman pribadi, estetika, dan pemikiran. Berkunjung ke pameran ini, seolah bertamu di beranda rumah kolektor yang pintunya terbuka lebar bagi para pecinta seni, kolektor, dan calon kolektor, untuk bersama-sama merayakan keindahan dan kedalaman karya seni lukis Indonesia. Beberapa karya yang dapat dinikmati di pameran ini antara lain: Lebih dari Sekadar Buku Melalui ‘Rimpang Rasa’, Daniel berharap pembaca dapat menemukan cara pandang baru dalam menikmati seni, bahwa setiap karya memiliki kehidupan, dan setiap kolektor adalah penjaga kisah di baliknya. “Semoga buku ini menjadi ruang refleksi bagi siapa pun yang mencintai seni, sekaligus pengingat bahwa keindahan akan selalu bertumbuh dari rasa,” tutupnya.

Sebuah Sketsa dan Sebelas Interpretasi Makna Kepahlawanan Masa Kini Jakarta, 11 November 2024 – Memperingati Hari Pahlawan Nasional, Ginting Institute yang didirikan oleh advokat korporat, keuangan, dan konsultan hukum pasar modal yang juga seorang kolektor seni Daniel Ginting bekerjasama dengan Galeri Zen 1 Jakarta menggelar pameran “Indonesia Tanah Airku, Tanah Tumpah Darahku.” Pameran ini dibuka oleh Maruarar Sirait, Menteri Perumahan dan Permukiman Republik Indonesia, Minggu, 10 November 2024 bertepatan dengan hari pahlawan yang dikenang oleh seluruh bangsa Indonesia. Judul pameran ini diambil dari judul sketsa berjudul sama karya S. Sudjojono yang dibuat pada 1964 dan disinyalir merupakan inspirasi bagi karya berjudul “Mengatur Siasat” yang juga dibuat pada 1964, merupakan sebuah lukisan legendaris karya seniman yang biasa disapa dengan nama Djon itu. Seperti yang tertera pada penjelasan mengenai sketsa Indonesia Tanah Airku, Tanah Tumpah Darahku itu, lukisan “Mengatur Siasat” merupakan sebuah karya monumental dari S. Sudjojono yang kini menjadi salah satu aset seni bangsa Indonesia yang tersimpan di Istana Kepresidenan di Bogor. Dikuratori oleh Rizki Zaelani, pameran di Galeri Zen 1 ini menampilkan karya-karya dari Andang Iskandar, Arafura, Chusin Setiadikara, Ida Bagus Purwa, Nuraeni Hendra Gunawan, Oco Santoso, Ronald Apriyan, S. Dwi Stya Acong, Teja Astawa, Toni Antonius, dan Ugo Untoro.  Oleh Rizki, para seniman diminta untuk merespon sketsa yang kini merupakan koleksi Daniel Ginting tersebut dan menuangkan interpretasi mereka atas makna pahlawan dan tanah air dalam konteks masa kini. Hal yang menarik untuk diamati dalam sebuah pameran yang mendudukan sebuah karya seorang seniman seperti yang dilakukan dalam pameran ini adalah beragamnya pembacaan dan gaya tutur yang muncul dalam karya-karya para seniman peserta pameran. Dengan cara baca serta pendekatan teknik yang berbeda, interpretasi atas sketsa Sudjojono tersebut menjadi terasa amat majemuk. Selain lukisan yang sebagian besar digunakan para seniman untuk mersepon sketsa S. Sudjojono itu, terdapat pula karya fotografi yang dicetak di atas bidang aluminium yang melihat tindakan kepahlawanan dan bela negara dari perspektif lingkungan dengan menyoal sampah yang telah menjadi isu global dan penanggulangannya kini telah menjadi salah satu agenda penting berbagai negara yang bahkan juga merambah pada persoalan keamanan dan geo politik dunia. Sementara sebuah karya instalasi video juga diketengahkan oleh Arafura Media Designyang membuat 45 interpretasi gambar digital yang dapat dialami secara interaktif oleh para pengunjung. “Kami ingin mengajak para pengunjung pameran untuk memahami dan mengalami secara langsung perspektif kami dalam menginterpretasi sketsa Pak Djon yang kuat sekali goresannya. Maka, kami pun mencoba menghadirkan serangkaian gambar yang akan selalu berbeda seturut posisi para pengunjung memindainya,” Pita Tjokronegoro, salah seorang desainer dari Arafura yang berbasis di Bandung itu mengatakan.  Karya-karya lukisan lain yang juga cukup menarik perhatian adalah karya Chusin Setaidikara, Ronald Apriyan dan Ugo Untoro. Pentingnya Support System yang Baik bagi Seniman Dalam sambutannya sebelum meresmikan pameran, Maruarar Sirait menyampaikan apresiasinya atas gagasan penyelenggaraan pameran ini. Menurutnya, pameran merupakan sebuah tahap penting tak hanya untuk memberi ruang bagi para seniman untuk membincangkan wacana dan pemikiran serta mendapat etalase untuk mempertemukan karya-karya mereka dengan publik pencinta seni juga para kolektor, melainkan juga sarana untuk meningkatkan apresiasi dan nilai ekonomi sebuah karya yang diciptakan oleh seorang seniman. Berlatar profesi sebagai seorang pengusaha, Maruarar amat meyakini, ekosistem dan pasar seni yang sehat dan fair, akan berdampak baik bagi perkembangan seni rupa Indonesia. Ia juga menyoroti tentang fakta bahwa seorang seniman cenderung berfokus pada perkembangan gagasan dan bagaimana menuangkannya dengan baik ke dalam karya dengan teknik dan pendekatan artistik yang mereka kuasai, namun kerap abai pada persoalan nilai ekonomi dari karya mereka. Maka tak jarang, menurut Maruarar, ada seniman yang kurang beruntung dan terpaksa menjalani masa tua dalam kondisi yang memprihatinkan. “Kondisi seperti itu, menjadi alasan utama mengapa seorang seniman harus memiliki support system yang bisa mengembangkan sisi ekonominya, entah itu pasangan, keluarga atau galeri, agar seniman bisa berfokus berkarya sebebasnya, sementara valuasi karyanya pun dapat terus meningkat di pasar seni,” kata Maruarar yang terlihat sempat berbelanja beberapa karya yang disukainya seusai membuka acara. Selain pembukaan pameran “Indonesia Tanah Airku, Tanah Tumpah Darahku” yang mersepon karya S. Sudjono, terdapat pula sisipan acara yakni peresmian Yayasan Nuraeni Hendra Gunawan yang digagas pendiriannya oleh Daniel Ginting sebagai bentuk penghargaan atas karya-karya Hendra yang  cukup banyak dikoleksinya. Pendirian Yayasan tersebut, menurut Daniel juga merupakan sebuah upaya untuk membangun ekosistem yang dapat memberikan dukungan terhadap perkembangan kekaryaan sekaligus juga menjadi mitra untuk bertukar pikiran perihal soal-soal keuangan.  Lebih dari dua dekade menjadi kolektor seni, Daniel Ginting dan istrinya Quoriena telah memiliki pengalaman panjang dari interaksinya dengan para pemangku dunia seni rupa Indonesia mulai dari para seniman, kurator dan pengamat, para pemilik galeri serta sesame kolektor. Dalam perjalanan panjang tersebut, baik Daniel maupun Quoriena menemukan banyak pengetahuan yang mengasah kematangan mereka membaca dan menilai berbagai dinamika yang terjadi dalam dunia seni rupa Indonesia. Pengalaman-pengalaman tersebut menggerakkan mereka untuk juga menyumbang pemikiran dan dukungan yang lebih nyata dalam laku filantropi seperti yang salah satunya mereka tuangkan dalam pendiran yayasan seni. Sebuah upaya yang diharapkan dapat memberi ruang berkembang lebih lapang dagi para seniman yang tengah berjuang menapaki perjalanan mereka meretas peluang dalam peta seni tak hanya di Indonesia tapi juga dunia.   

Merdang Merdem, yang juga dikenal sebagai Kerja Tahun, merupakan salah satu tradisi tahunan terpenting dalam kehidupan masyarakat Karo di Sumatra Utara. Tradisi ini bukan sekadar perayaan panen, melainkan sebuah peristiwa budaya yang merekam relasi mendalam antara manusia, alam, dan nilai-nilai kolektif yang diwariskan lintas generasi. Dalam Merdang Merdem, rasa syukur, kebersamaan, dan penghormatan terhadap siklus hidup menyatu dalam sebuah perayaan yang meriah sekaligus sakral. Secara historis, Merdang Merdem menandai berakhirnya masa panen dan menjadi penanda kesiapan masyarakat untuk kembali memasuki siklus bercocok tanam berikutnya. Dalam konteks agraris, momen ini sangat krusial: panen yang melimpah bukan hanya soal kecukupan pangan, tetapi juga simbol keberhasilan kolektif sebuah komunitas. Oleh karena itu, Merdang Merdem dirayakan sebagai ungkapan terima kasih kepada alam dan kepada Sang Pencipta atas hasil bumi yang diberikan, sekaligus sebagai doa agar musim tanam berikutnya membawa keberkahan serupa. Perayaan Merdang Merdem biasanya berlangsung selama beberapa hari, bahkan bisa mencapai satu pekan, dengan rangkaian acara yang melibatkan seluruh lapisan masyarakat. Salah satu elemen paling menonjol adalah hadirnya musik dan tari tradisional, terutama Gendang Guro-Guro Aron. Dalam pertunjukan ini, irama gendang berpadu dengan gerak tari yang anggun dan dinamis, menjadi ruang pertemuan sosial bagi para pemuda dan pemudi Karo. Tarian ini bukan sekadar hiburan, melainkan medium interaksi, komunikasi, dan ekspresi identitas budaya. Di balik kemeriahan itu, Guro-Guro Aron menyimpan makna sosial yang kuat. Ia menjadi arena di mana nilai-nilai kesopanan, kebersamaan, dan struktur sosial Karo ditampilkan secara simbolik. Pertemuan antara pemuda dan gadis dalam tarian bukan hanya soal romantika, tetapi juga bagian dari proses sosial yang memperkuat ikatan antarindividu dan antarkeluarga dalam komunitas. Dalam konteks ini, Merdang Merdem berfungsi sebagai ruang regenerasi budaya, tempat nilai-nilai lama dipertemukan dengan semangat generasi muda. Selain seni pertunjukan, Merdang Merdem juga identik dengan tradisi kuliner dan jamuan bersama. Rumah-rumah terbuka bagi kerabat dan tamu, makanan disajikan sebagai simbol kelimpahan dan keterbukaan. Tradisi saling mengunjungi dan makan bersama ini menegaskan pentingnya solidaritas dan gotong royong dalam masyarakat Karo. Tidak ada sekat sosial yang kaku; yang ada adalah rasa kebersamaan yang lahir dari kesadaran bahwa hasil panen dan kehidupan itu sendiri adalah buah kerja kolektif. Bagi masyarakat Karo, makna Merdang Merdem jauh melampaui seremoni tahunan. Ia adalah penanda identitas, pengingat akan asal-usul, dan sarana memperkuat kohesi sosial. Di tengah perubahan zaman, modernisasi, dan pergeseran nilai, tradisi ini tetap menjadi jangkar budaya yang menjaga masyarakat Karo agar tidak tercerabut dari akarnya. Merdang Merdem mengajarkan bahwa kemajuan tidak harus berarti meninggalkan tradisi, melainkan merawatnya dengan kesadaran baru. Dalam konteks Indonesia yang majemuk, Merdang Merdem juga memiliki makna yang lebih luas. Ia menunjukkan bagaimana tradisi lokal menyimpan nilai-nilai universal: rasa syukur, kebersamaan, penghormatan terhadap alam, dan pentingnya solidaritas sosial. Tradisi ini menjadi bukti bahwa kebudayaan bukanlah sesuatu yang statis, melainkan hidup, tumbuh, dan terus beradaptasi bersama masyarakat pendukungnya. Pada akhirnya, Merdang Merdem bukan hanya milik masyarakat Karo, tetapi juga bagian dari kekayaan budaya Indonesia. Ia mengingatkan kita bahwa di balik setiap perayaan tradisional, terdapat narasi panjang tentang manusia dan lingkungannya, tentang kerja keras dan harapan, serta tentang bagaimana sebuah komunitas merayakan hidup secara kolektif. Dalam dunia yang semakin individualistis, Merdang Merdem hadir sebagai penanda bahwa kebersamaan dan rasa syukur masih memiliki tempat yang penting dalam kehidupan sosial kita hari ini. Foto: via medan.pikiran-rakyat.com